Análisis obras Bienal de Cuenca

PRIMER PREMIO COMPARTIDO

Nombre: INCENDIO

Autor: EMMANUEL NASSAR

País: BRASIL

BIOGRAFÌA DEL AUTOR

Emmanuel nació en Capanema Nassar, Estado de Pará, en 1949 es un artista de Brasil, se graduó en Arquitectura por la Universidad Federal de Pará.
Durante la década de 1980 y 90 fue profesor en la Escuela de Artes Visuales de la Universidad Federal de Pará.
Participó en exposiciones importantes, como la XX Bienal de Sao Paulo en 1989 , formó parte de la representación brasileña en la Bienal de Venecia de 1993. XXIV Bienal de São Paulo en 1998 , y la Bienal de Venecia de 1993 .

Obras:

·       Boa Romaria faz quem em sua casa fica em paz – instalação

·       Currupiu Gigante, 1984

·       O Rei da Noite, 1985

·       Casa das Onze Janelas 1987

ANÀLISIS CONTEXTUAL DE LA OBRA:

Se desarrolla en la época  actual, es decir es arte contemporáneo, es una obra impulsadota de la expresión artística.

ANÀLISIS DE LA IMAGEN:

Es una obra simbólica como metáfora plástica, que da una narrativa conceptual en la estructura de la imagen,  resalta un circulo que caracteriza el planeta tierra, además se  identifican los puntos cardinales al marcar las letras E y N.
Tiene una composición minimalista por la escasa utilización de elementos.
La aplicación de colores esta basado en  tonos calidos, y el artista le da un contraste con el neutro que es el gris en su percepción de darle énfasis a la destrucción.
Su temática es netamente ambiental, debido a que el mensaje implícito en la obra es la destrucción del planeta, la extinción de la naturaleza responsabilizando al hombre, expresado mediante un incendio.

CRÌTICA PERSONAL DE LA OBRA:

Hago referencia a la frase “Una imagen vale mas que mil palabras”,  el hombre es el principal depredador del planeta Tierra, en esta obra el autor manifiesta el peligro latente de los sistemas ecológicos, que se simboliza a través de un árbol como braza encendida, el tono calido de color amarillo concuerda perfectamente con el concepto de la obra.

TERCER PREMIO

Nombre: LA COPA

Autor: JOSE MORALES

País: PUERTO RICO

BIOGRAFIA DEL AUTOR

José Morales, (Nueva York, EU, 1947)
Pintor, dibujante y creador de instalaciones. Sus estudios de dibujo y pintura comenzaron con Ethel Katz, en Art Students League de Nueva York. En 1964 fue a España y estudió dibujo en la Academia Peña y en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Al año siguiente se marchó a Francia y asistió a American College Abroad y a la Escuela de Bellas Artes de París. Becado por la Fundación Ford, ingresó nuevamente al Art Student League de Nueva York y estudió escultura con José DeCreft y pintura con Julian Levi. Entre sus numerosas exposiciones individuales y colectivas ha representado a Puerto Rico en eventos internacionales tales como: XXVI Bienal de São Paulo (Brasil, 2004); XXXIV y XXX Festival International de Peinture de Cagnes (Francia, 2002, 1998), premiado Primièr Mention du Jury; III Salón International de Estandartes (Tijuana, México, 1998), donde recibe Primer Premio; V Bienal Internacional de Pintura de Cuenca (Ecuador, 1996), donde recibe Tercer Premio; Primer Premio, II Certamen Nacional de Artes Plásticas del Museo de Arte Contemporáneo (Puerto Rico, 1995) y II Bienal Internacional de Pintura del Caribe y Centroamérica (República Dominicana, 1994), premiado Mención Honorífica. Su obra explora la incomunicación, el aislamiento, la violencia y la soledad del mundo contemporáneo; utilizando diversos lenguajes plásticos y reflejando una gran maestría técnica y conceptual.

Obras:

• Pintura y borradura, 1994
• La Copa,1997

ANALISIS CONTEXTUAL DE LA OBRA:

Se desarrolla en la época  actual, es decir es arte contemporáneo, es netamente de contenido social.

ANALISIS DE LA IMAGEN:

La obra se destaca por el uso de diferentes lenguajes plásticos, expresa dinamismo y utiliza el collage con fotografías y recuadros en blanco y negro para resaltar imágenes reales y ciertos elementos como el revolver, tiene una forma orgánica, cuyos colores dominantes son los tonos calidos, y minima utilización de los tonos fríos.
El artista muestra su preocupación por la condición humana; dejando ver el lado agrio y grotesco, un tanto hostil de la actual sociedad, con un paisaje matizado en ironía y humor.

CRÌTICA PERSONAL DE LA OBRA:

Es sorprendente que un artista puede plasmar la preocupante realidad social de violencia referente a la condición humana, a manera de collage muestra armas blancas y armas de fuego en un revoltijo de colores y figuras que se encuentran a la deriva, sin embargo es clara y reflexiva.

TERCER PREMIO

Nombre: INDIAN HORSE

Autor: JAUNE QUICK-TO-SEE SMITH

País: ESTADOS UNIDOS

BIOGRAFÌA DEL AUTOR

Jaune Quick-To-See Smith (nacida en 1940) es una artista contemporánea nativa estadounidense. Su obra está en las colecciones del Museo Nacional de Mujeres Artistas, el Museo Smithsoniano de Arte Estadounidense y el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York.
Nacida en 1940 en la reserva india confederada de Salish y Kootenai, Montana, Jaune Quick-To-See Smith es una pintora de renombre internacional. Se graduó en la Universidad de Nuevo México. Ha creado complicadas pinturas abstractas y litografías desde principios de los años setenta. Emplea gran diversidad de medios, trabajando con pintura, grabados y técnicas mixtas. Hace más de 2 décadas, ella llego a ser una de las artistas indias americanas más conocidas y renombradas. La artista trabaja con pinturas, collage y una admirable imaginación usando una combinación representativa e imágenes abstractas las cuales confrontan temas como la destrucción del medio ambiente, opresiones gubernamentales, en sus obras también plasma leyendas Euro-Americanas dándolas una hegemonía cultural.

Obras:

·       War is heck, 2002

·       I See Red: Snowman, 1992,

·       Mother and Child, 1998,

• Indian, Indio, Indigenous, 1992.

ANÀLISIS CONTEXTUAL DE LA OBRA:

Es una obra simbólica, plástica,  con amplio contenido étnico cultural.
 

ANÀLISIS DE LA IMAGEN:

Obra de carácter neofigurativo, su composición es rígida por cuanto la silueta del caballo se destaca en la obra, siendo admirablemente dibujado; pero a la vez existe un movimiento visual por la utilización de collage con imágenes y recortes, existe total predominio de tonos calidos en rojo y amarillo. Es un tributo a las raíces indias de la autora.

CRÍTICA PERSONAL DE LA OBRA:

Esta obra me parece muy interesante, es armónica porque los elementos utilizados en el collage se complementan y tienen concordancia con la silueta del caballo simbolizan la etnia de los indios de Norteamérica. Los colores calidos en este óleo están perfectamente combinados.

PRIMER PREMIO

Nombre: VIBRACION EN NEGRO Y AZUL

Autor: ARCANGELO IANNELLI

País: BRASIL

BIOGRAFÌA DEL AUTOR

Arcangelo Ianelli ( São Paulo, 18 de julio de 1922 - ibíd., 26 de mayo de 2009) fue un pintor, escultor, ilustrador y dibujante brasilero.
Con Alfredo Volpi y Aldir Mendes de Souza formó un trío de pintores coloristas.^[]
A partir de 1940 el pintor, escultor e ilustrador Arcángel Ianelli, comienza a plasmar la vida cotidiana, en tonalidades pasteles, no tan coloridas, etapa media lúgubre.
En la década de 1960, comienza una fase de abstraccionismo informal, y produce telas cargadas de material, densas y con colores obscuros. Hacia el final de la década su obra es al mismo tiempo linear y pictórica, donde se destaca el uso del grafismo. Ya ha partir de los años 70, se acentúa su abstraccionismo geométrico utilizando predominantemente rectángulos y cuadrados, que se presentan como planos sobrepuestos e interpenetrados. A partir de la mitad de la década de los 70 se expresa también a través de la escultura, produciendo obras en mármol y madera, en las cuales retoma la temática que también figura en su obra pictórica. “Es en ese período que por causa de una intoxicación con pintura al óleo pasé a usar la tempera al huevo, práctica que me enseñó técnicas de transparencia y uniformidad que desde entonces uso.”
Declaración al Folha de São Paulo, 2002.
En el 2001, se coloca en el Parque da Aclimação, en São Paulo, una de sus esculturas en mármol, denominada "Dança Branca" (Danza Blanca). En el 2002, conmemora sus ochenta años con una retrospectiva montada por la Pinacoteca del Estado de São Paulo. En 2009 gana la Bienal de Cuenca en Ecuador.

Obras:

·       Estaleiro, 1958, óleo sobre tela

·       Bambuzal, 1959

·       Naturaleza Muerta, 1960

·       Vibracion Negro y Azul 2009

ANÀLISIS CONTEXTUAL DE LA OBRA:

Arte contemporáneo, netamente abstracto, estructuralista y suprematista.
 

ANÀLISIS DE LA IMAGEN:

Esta obra se destaca en las dimensiones estèticas del color autonomo. Posee ritmo y una cohesión manifiesta que no se debilita en ningùn instante. La obra revela una gran síntesis formal y una gama cromatica con tonos rebajados.
Su composición es totalmente vertical, cuyos trazos simbolizan lo religioso y divino; por la sincronizacion de colores utilizados invita al recogimiento, a la meditaciòn, al pensamiento profundo.
La supremacía del vino tinto, azùl y marròn denotan el ànimo del autor en su afàn de expresar su misticismo

CRÌTICA PERSONAL DE LA OBRA:
De manera especial esta obra goza de mi predilección, me identifico con el arte abstracto, su cromática me trasmite sensación de tranquilidad y me invita a la reflexión, la sencillez del autor en esta creación inspira al mismo tiempo sobriedad, aunque suene contradictorio.

SEGUNDO PREMIO COMPARTIDO

Nombre: ESPIRITUALIDAD I

Autor: MARCO ALVARADO
País: ECUADOR

BIOGRAFÌA DEL AUTOR

Marco Alvarado estudio en la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Central de Quito y en la Universidad de Arquitectura de la Universidad Católica Santiago de Guayaquil. Su producción artística se caracteriza por la vitalidad y diversidad. Utiliza una amplia gama de métodos y medios para explorar el medo que le rodea, desde la pintura híbrida con materiales inusuales hasta la manipulación digital, la fotografía y el video. Alvarado revela aspectos del mundo de hoy a través de una implicación profunda con las cualidades duraderas del arte pasado. En el último tramo de su quehacer plástico, rompe cualquier estatismo y se adhiere a la libertad de las nuevas propuestas que enfatizan el choque entre lo viejo y lo nuevo del arte. Es uno de los más vigorosos y penetrantes conceptuales del Grupo Guayaquil.

Obras:

·       Travesti, Instalación Cabeza de Padre, 1994

·       Feito, 1992

·       Loco, 2000

·       Las Américas, 1995

ANÀLISIS CONTEXTUAL DE LA OBRA:

Es una obra impresionista, realista, que aqueja la informidad del autor respecto a la sociedad en la que vive. Es arte contemporáneo.

ANÀLISIS DE LA IMAGEN:

La pintura es de composición horizontal, la imagen principal esta ubicada al centro y las esferas proporcionan un recorrido visual a lo largo de la obra.

Esta hecha a base de colores neutros, calidos con el amarillo al centro enfatizando la imagen del niño golpeado, apreciando también la presencia del color frío.

Su obra expresa la denuncia del sujeto, hacia realidades sociales existentes en ciertos entornos, justificados con la religión y encubiertos por dogmas que nublan la razón.

CRÌTICA PERSONAL DE LA OBRA:

Cuando estaba en la exposición me quede perpleja al ver esta obra, me impresiono la dureza de la imagen, la capacidad del artista al plasmar de manera tan simbólica su inconformidad hacia la sociedad, mostrando un niño pequeñito maltratado y a una especie de justificación del hecho por medio entes religiosos. La predominación de tonos calidos como el marrón y el amarillo no son de mi preferencia. A mi criterio así como esta presente en la humanidad el maltrato esta la fe en días mejores caracterizados por la religión.

ANEXOS 

Parque Itchimbia, Palacio de Cristal